Trafic, de Jacques Tati
Francia, 1971. 96’. v.o.s.e. 35 mm
Ciclo: El 7º Juego (XII)
Único pase
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Dirigida e interpretada por Jacques Tati, Tráfico se centra en nuevas peripecias del señor Hulot, su más famoso personaje. Se centra en la historia de este modesto fabricante de vehículos, que diseña una autocaravana dotada de innumerables gagdets para exponerla en el Salón Internacional del Automóvil de Ámsterdam. Él mismo lleva el prototipo desde París a bordo de un camión, escoltado por el cochecito deportivo de Maria, la joven americana encargada de las relaciones públicas. El viaje es sucesivamente interrumpido por un pinchazo, un problema de gasolina, una colisión en cadena y altercados con los aduaneros.

Jacques Tati, director, actor, mimo, clown y genio olvidado de la comedia cinematográfica, heredero directo de los maestros del mejor cine cómico mudo norteamericano y francés, nació en Le Pecq, una localidad cerca de París. Recibió una esmerada educación, y destacó en los deportes, capacidad atlética que le fue muy útil en los comienzos de su carrera en cabarets y cafés de variedades.

Trafic-Wikipedia

Vampyr, de Carl Theodor Dreyer
Francia-Alemania, 1931. 72’. v.o.s.e.
Ciclo: Film singular (I)
Único pase


Carl Thedor Dreyer es uno de los grandes cineastas de lo invisible. Su estilo sobrio, profundo y austero, casi calvinista, sumado a sus temáticas de resonancia religiosa y moral, le ha valido ser considerado como el realizador metafísico por excelencia. Pero escondido en el corazón de este sereno moralista, hubo también espacio para el lado oscuro. Para los espectros de la obsesión, lo sobrenatural y lo esotérico.

Así fue como vio la luz Vampyr (1931), rodada entre 1930 y 1931, a caballo entre el cine mudo y el sonoro, después del no menos sonoro fracaso de La pasión de Juana de Arco (1928), obra maestra incomprendida en su día. Quizá por ello, ante el éxito que obtenían las producciones fantásticas del cine alemán, y movido también por cierta envidia hacia su compatriota Benjamin Christensen y su polémica Häxan, Dreyer decidió plasmar su propia versión de lo sobrenatural.

La contribución de Dreyer al género fantaterrorífico y, más concretamente, a la filmografía vampírica se ha convertido, con los años, en un genuino filme de culto, exquisitamente macabro, surrealista e inclasificable . Aunque inspirado en motivos de los relatos de Sheridan LeFanu -el castillo asolado por una vampira de Carmilla, el enterramiento en vida que aparece en La posada del Dragón Volado...-, lo cierto es que éstos son mera excusa para sumergirnos en un delirante mundo de magia y pesadilla, carente de la lógica formal y el desarrollo clásico no sólo de los cuentos originales, sino del cine de terror tradicional. Nunca el espectador se ve tranquilizado por la explicación de lo sucedido, ni por una secuencia lógica de acontecimientos, sino que, al igual que el protagonista se encuentra plácida y aterradoramente perdido en un escenario onírico, recreado con regusto simbolista y surreal por la espléndida fotografía de Rudolph Maté.

Vampyr-Miradas de Cine Vampyr-Contrapicado.net Carl Theodor Dreyer-Wikipedia

Dos mujeres (La Ciociara), de Vittorio de Sica
Italia, 1960. 101’. v.o.s.e.
Único pase
Ciclo: Un paese, una storia (IV)

En colaboración con el Centro Cultural Italiano (CCI) y el Aula de Filología Italiana de la Univeridad Pablo Olavide

Cuarenta y tres años después de su realización, "Dos mujeres (La Ciociara)" sigue siendo el proyecto más controvertido de la larga filmografía de Vittorio De Sica. Adaptación de la novela homónima de Alberto Moravia (uno de los escritores más reconocidos de la posguerra italiana), la película es un retrato sobrecogedor de la Italia popular durante los nueve meses de ocupación alemana, en el año 1943, cuando los nuevos valores emergentes se contraponían a un paisaje cultural fracturado y arrasado por la guerra, desprevenido frente a una transformación tan repentina de la composición social.


La historia cuenta la fuga dramática de Cesira (Sophia Loren), una campesina que al casarse se ha ido a vivir a Roma y se ve obligada a huir de la capital por el avance de la guerra. Preocupada por la incolumidad de su hija Rosetta, de trece años, la mujer decide refugiarse en casa de unos parientes en los montes de Ciociaria, donde a su llegada es acogida con entusiasmo y calor humano. La vida discurre serena lejos del frente, casi ignorando el conflicto que está destruyendo el país. La bella Cesira encuentra el cariño de Michele (Jean Paul Belmondo), un joven intelectual que quiere ser partisano y que, enamorado de ella, intenta persuadirle para que se una a la idea de un mundo nuevo, iluminado por un sentido más elevado de la justicia. Se perfila un choque generacional de resultado incierto, y Cesira vislumbra un futuro que es incapaz de comprender del todo. El encanto de esos días se desvanece cuando una compañía de alemanes que huye de los Aliados se lleva a Michele a la fuerza para que les guíe por los caminos del monte. No se vuelve a saber nada de él. Al cabo de un tiempo, la euforia por la llegada de las fuerzas aliadas induce a los evacuados a volver a sus casas. También Cesira y Rosetta emprenden el viaje de vuelta, pero son víctimas de un acontecimiento traumático, destinado a destrozar sin remedio sus vidas.

Vittorio De Sica-Wikipedia Dos mujeres-Blog de cine

Jueves 11 de marzo, 21 h
Dos mujeres (La Ciociara), de Vittorio de Sica
Italia, 1960. 101’. v.o.s.e.
Único pase
Ciclo: Un paese, una storia (IV)

En colaboración con el Centro Cultural Italiano (CCI) y el Aula de Filología Italiana de la Univeridad Pablo Olavide

En 1943 la guerra está devastando Italia. Una mujer, Cesira, y su hija de 13 años, Rosetta, abandonan Roma ante la intensidad de los bombardeos aliados. Se dirigen hacia el pueblo donde nació Cesira. Pero la adversidad se ceba en ellas… Un grupo de soldados las violan en una iglesia. Se inspira en un original de Alberto Moravia





Viernes 12 de marzo, 20 h
Vampyr, de Carl Theodor Dreyer
Francia-Alemania, 1931. 72’. v.o.s.e.
Ciclo: Film singular (I)
Único pase

Un joven viajero, de descanso en un extraño castillo, comienza a ver extrañas visiones, y descubre una mujer inconsciente que ha sido atacada por un vampiro en forma de bruja…


Sábado 13 de marzo
No hay proyecciones



Domingo 14 de marzo, 18 h
Trafic, de Jacques Tati
Francia, 1971. 96’. v.o.s.e.
Ciclo: El 7º Juego (XII)
Único pase
En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

El señor Hulot es diseñador en Altra, una pequeña sociedad parisina dedicada a la fabricación de automóviles. A él se le encarga conducir un Renault 4 dotado con numerosos artilugios de su invención hasta una exhibición en Ámsterdam. En su viaje, el tránsito vehicular se presentará como un obstáculo. Maria, encargada de las relaciones públicas de Altra, muy impaciente a causa de un retraso inicial, desencadena por sus acciones una serie de contratiempos y catástrofes. Un choque múltiple, por ejemplo, sirve para escenificar las divertidas reacciones de los involucrados en el mismo

El mundo del cine solicita la puesta en libertad del realizador Jafar Panahi, arrestado el pasado lunes por la noche en su casa de Teherán por la policía del régimen iraní. Junto a él, han sido encarcelados su mujer y su hija, los también directores de cine Mohammad Rasulov, Mahnaz Mohammadi y Rokhsareh Ghaem-Maghami y el operador de cámara Ebrahim Ghafari.

El motivo del arresto de Panahi, firme partidario del líder de la oposición Mir Hossein Moussavi, es el documental que en estos momentos estaba realizando sobre las protestas que estallaron el pasado mes de junio como consecuencia de las polémicas elecciones que dieron por vencedor a Mahmud Ahmadinejad. Panahi no obtuvo la autorización para rodar las escenas de este documental en la capital iraní.

Ya el pasado verano Panahi fue arrestado junto a su mujer e hija por participar en la conmemoración de Neda Agha-Soltan, que murió durante una manifestación.

No se han hecho esperar las protestas ante este arresto por parte de todos los estamentos del mundo del cine, como la Federación Europea de Directores (FERA), que exige su inmediata puesta en libertad.

Cineuropa ha lanzado una campaña para recoger firmas de los lectores que deseen apoyar esta iniciativa. Para ello, manda un correo electrónico a cineuropa@cineuropa.org con nombre, apellidos, ciudad y país. Además, es posible añadir un comentario que será publicado en nuestra web.

Cineuropa

El muro (Die mauer), de Jürgen Böttcher

RDA, 1990. 90’. v.o.s.e.
Ciclo: Tesoros de la DEFA (IV)
Único pase

En colaboración con el Goethe Institut-Madrid

El documental Die Mauer es un testimonio duradero del desmontaje de la frontera entre la RDA y la RFA en Berlín, y al mismo tiempo un réquiem por el país al que el cineasta y pintor Jürgen Böttcher estuvo ligado durante 40 años por un profundo sentimiento, mezcla de amor y odio. Los turistas japoneses le sacan fotos, niños de origen turco lo pican y le quitan pedazos para venderlos, innumerables equipos de filmación de todo el mundo lo utilizan de fondo pintoresco: la película trata del “muro”, que en la jerga oficial de la RDA se idealizaba como “muralla de protección antifascista”. Böttcher y su camarógrafo Thomas Plenert filman las diversas actividades en la antigua franja de la muerte como si fuesen fenómenos, conscientes de que cualquier valoración en ese momento malograría la fuerza y la singularidad de las imágenes.

Die Mauer

Concluye el pequeño homenaje que la Cinemateca UGT le está rindiendo al cineasta Iván Zulueta (El último arrebato. Iván Zulueta) con la proyección de su eterna obra maldita: Arrebato (1980)

José Sirgado (Eusebio Poncela) director de películas serie B está en crisis creativa y personal. No es capaz de consolidar su ruptura con Ana (Cecilia Roth) y además recibe noticias de un inquietante conocido (Will More), adicto a filmar en Super 8 y obsesionado en descubrir la esencia del cine. Arrebato es considerada una obra única, marginal, es por la intensidad rayana con la enfermedad volcada por su autor en ella, plasmando todo su universo interior, con sus fobias y sus pasiones, sus paranoias y sus obsesiones. Completando la sesión se proyectará Leo es Pardo (1976).

Continúa desarrollándose el ciclo: Tesoros de la DEFA, en colaboración con el Goethe Institut Madrid, El muro (Die mauer), de Jürgen Böttcher (RDA, 1990), testimonio duradero del desmontaje de la frontera entre la RDA y la RFA en Berlín, y al mismo tiempo un réquiem por el país al que el cineasta y pintor Jürgen Böttcher estuvo ligado durante 40 años por un profundo sentimiento mezcla de amor y odio. Premio Berlinale 1991: Foro cine nuevo /
Premio European Film Awards 1991: el mejor documental.

Chaplin es el protagonista de la sesión de los domingos (El 7º juego, a las 18 h).Charlot, músico ambulante, escrito, producido, dirigido y protagonizado por Charles Chaplin en 1916. Está interpretado además por Edna Purviance, Eric Campbell, Lloyd Bacon y Charlotte Mineau. Charlot es un violinista que vive de las limosnas que le dan por tocar en la calle. Un día se enamora de una joven gitana y ambos se fugan de los despóticos parientes de ella. Días después, un pintor se fija en ella y le hace un retrato. Charlot se siente celoso por ello. El chico (1921), es el primer film en el que Chaplin no oculta su intención de expresar lo trágico. Hasta entonces parecía resistirse, querer recrear la vida bajo el signo del humor, pasando alternativamente de la broma a la fantasía. Esta vez nos presenta un drama banal que bajo ese aspecto alcanza el nivel de obra maestra. Cuenta la historia de un hombre que encuentra, adopta y decide criar a un bebé que fue abandonado por su madre. La relación entre ellos dos (Charlot y el niño) es fantástica y muy enternecedora




Viernes 5 de marzo, 20,00 h / Sábado 6 de marzo, 20,00 h
Leo es pardo, de Iván Zulueta
España, 1976. 13'

Arrebato, de Iván Zulueta
España, 1980. 105’. 35 mm
Ciclo: El último arrebato






Domingo 7 de marzo, 18,00 h
Charlot músico ambulante (The Vagabond), de Charles Chaplin
USA, 1916. 26’
El chico (The kid), de Charles Chaplin
USA, 1921. 50’
Ciclo: El 7º Juego







Domingo 7 de marzo, 20,00 h
El muro (Die mauer), de Jürgen Böttcher
RDA, 1990. 90’. v.o.s.e.
Ciclo: Tesoros de la DEFA

Charlot músico ambulante (The Vagabond), de Charles Chaplin
USA, 1916. 26’
Ciclo: El 7º Juego
Único pase

Filmada en 1916, es uno de los primeros films de Chaplin donde se caracteriza por su sombrero bombín, su estrecha chaqueta, grandes zapatos y su inconfundible bigote. Su particular actitud sentimental ante la vida, y su pose triste enganchan inmediatamente al observador, haciendo que se encariñe con el personaje.

En esta película corta, Charlot es un solitario músico callejero que toca el violín. Parado afuera de un bar, ejecuta su instrumento pero nadie le regala propina. Simultáneamente en la puerta principal del local se para una banda de músicos que también deleita al público para que les regalen monedas. Aprovechando que ellos están afuera tocando, El vagabundo entra en el local y usando su sombrero recoge la paga que debería ser para los otros músicos. Disfrutamos entonces de sus divertidas ocurrencias.


El chico (The kid), de Charles Chaplin
USA, 1921. 50’
Ciclo: El 7º Juego
Único pase

En otoño de 1917 Charlie volvió a cambiar de productora, esta vez firmó para la First National, con la que colaboraría en los siguientes años y que le consiguió el estudio en el que rodaría la mayor parte de sus películas. Allí hizo Vida de perro (A Dog's Life, 1918) y Armas al hombro (Shoulder Arms, 1918).

Fue entonces cuando rodó El chico (The Kid, 1921), con el niño Jackie Coogan,con quien comenzo a entrenar para el cine en 1918 bajo la autorización de los padres del niño quienes admiraban profundamente al cómico. Esta obra maestra del cine acabó por convertir a Charlot en uno de los iconos, no ya del cine, sino de la historia. Este largometraje es una de las piezas más fascinantes en la historia del cine y sin duda es de las mejores que haya realizado Chaplin. Tal es así que en el año 1971 él mismo compuso la música para la misma, que había sido rodada muda. La película tiene como eje central la importancia del amor humano, de los afectos y como siempre una alta crítica social. Cuenta la historia de un hombre que encuentra, adopta y decide criar a un bebé que fue abandonado por su madre. La relación entre ellos dos (Charlot y el niño) es fantástica y muy enternecedora, a tal punto que lleva al espectador al llanto. Esta cinta fue tan importante para él porque buscó mostrar en el niño lo que había sido su propia infancia. La filmación duró más de un año y en la misma Chaplin afrontó varios sucesos importantes que habían marcado su vida.

El chico es el primer film en el que Chaplin no oculta su intención de expresar lo trágico. Hasta entonces parecía resistirse, querer recrear la vida bajo el signo del humor, pasando alternativamente de la broma a la fantasía. Esta vez nos presenta un drama banal que bajo ese aspecto alcanza el nivel de obra maestra. Para expresarlo renuncia a la utilización de rostros y de decorados que ha quedado como uno de sus secretos.

El chico Charles Chaplin-Wikipedia El chico

Leo es pardo, de Iván Zulueta
España, 1976. 13’

Arrebato, de Iván Zulueta
España, 1979. 105’. 35 mm
Ciclo: El último arrebato

En su tiempo esta película fue considerada experimental ya que abordaba un metalenguaje reflexivo, no político y de un gracia un tanto críptica. La reedición de DVD realizada por el periódico El País de España nos permite, a miembros de una generación posterior, poder disfrutar de este único largometraje de Iván Zulueta . La película en realidad me la prestó un amigo y llegó a mi como esas películas totalmente desconocidas. No sabía absolutamente nada de ella y es quizás por eso que me motivo a analizarla desde percepciones extremadamente personales. El retroceso del tiempo vuelve una vez más desde los años 70 y se nos incorpora como un contraste entre el imaginario fotográfico y los tiempos que absorben las obsesiones. La simple historia de los tres personajes se transforma en una alegoría cinematográfica de La Piel de Zapa , haciendo del fotograma de 8mm una especie de línea de tiempo que coarta y absorbe a un cineasta modesto y autocomplaciente.

Arrebato de Iván Zulueta
Por Daniel Reyes León
Artículo completo

Arrebato-El País Arrebato-Miradas de Cine Arrebato-Julio Medem Leo es pardo-Anarquismo cinematográfico Iván Zuleta-Wikipedia

Leo es pardo, de Iván Zulueta. España, 1976. 13’
Arrebato, de Iván Zulueta. España, 1979. 105’
Ciclo: El último arrebato: Iván Zulueta
Viernes 5 de marzo, 20 h / Sábado 6 de marzo, 20 h
La obra cumbre y única en la filmografía de Zulueta.

La Cinemateca UGT proyecta el viernes (5 de marzo, 20 h) y el sábado (6 de marzo, 20 h), la película Arrebato, de Iván Zulueta, dentro del ciclo que esta Cinemateca está dedicando al desparecido director vasco (El último arrebato: Iván Zulueta)

La copia se proyecta en 35 mm y totalmente remasterizada, ya que en su estreno solo se realizaron dos copias. Estas, en poder de la Confederación de Cine Clubs del Estado Español, estaban en pésimas condiciones y ninguna distribuidora era capaz de hacer copias nuevas ante el fracaso comercial que supuso su paso por la cartelera comercial. Recientemente Francisco Hoyos (Trama Films) adquirió los derechos, aunque su distribuidora desapareció poco después. Sherlock Films, a través de Enric Pérec compra los derechos y realiza una edición a partir del negativo, realizándose nuevas copias. De esta forma, la mítica película de Iván Zulueta se proyecta en versión integra y en 35 mm.

Jose Sirgado –Eusebio Poncela- director de cine clase b, quien acaba de terminar su segunda película, se encuentra con una cinta. Así comienza a recordar, introduciéndonos a la historia con un reencuentro sin fechas. Paralelo al recuerdo, se van sucediendo las cosas, con la voz de la cinta, con heroína por las venas, con Ana –Cecilia Roth - y con su propia visión del cine de autor, entremezclada con la influencia de un singular ser obsesionado con el tiempo cinematográfico y la imagen en diferido.

Junto a Arrebato, se proyecta Leo es Pardo (1976). Después de más de treinta años sigue siendo uno de los cortometrajes más vanguardistas del cine español. Sus ideas de luz, montaje y sonido denotan la fresca genialidad del autor, que explora los conceptos de narratividad a niveles sorprendentes.

Platform, de Jia Zhang Ke
China, 2001
Fue proyectada en la Cinemateca el 26 de febrero de 2005
dentro del ciclo "Fond Sud"

Un grupo de teatro aficionado debe hacer frente a los cambios provocados por las reformas económicas y culturales introducidas en la China de los años 80. El nuevo modelo llevará a la privatización de la compañía y su reconversión en una extraña banda de Disco-Rock.

Dos parejas de jóvenes forman parte de la frustrada troupe. Incapaces de comunicarse sentimentalmente, intentan articular una vida incierta, atrapada entre las promesas de la modernización económica y el peso de la tradición y la ideología.

Platform es un largo fresco coral sobre la transformación cultural en la China de los ‘80, el retrato fragmentado de una sociedad en plena transición. Los personajes-grupo son miembros de un centro cultural en un pueblo rural del norte, que se dedican al teatro y la música y debaten sobre política. La película está compuesta por una serie de viñetas de situaciones de los personajes, casi todas ellas filmadas con el criterio de una escena/una toma. Los episodios presentan a una pareja indecisa, la relación entre los miembros del conjunto musical, la evolución del grupo, y no guardan una necesaria relación orgánica entre sí. Lentamente pasan las estaciones y la vida en ese pueblo primitivo, opaco, donde los únicos vehículos motorizados son algún camión oficial, una moto, o un tractor con acoplado que sirve de transporte. El director se aparta de las normas clásicas: las secuencias no tienen una sucesión lineal, hay elipsis por aquí y allá, los personajes principales desaparecen para reaparecer más tarde, el trascurso del tiempo no está explicitado. Con el paso de los años, las acciones van transformándose y la ortodoxia se flexibiliza: los músicos incorporan cada vez más música occidental, la ropa y el peinado también se modernizan siguiendo las pautas de este lado del mundo, caen ciertos políticos del régimen y otros son rehabilitados públicamente. La sociedad se aburguesa, e incluso el conjunto musical termina privatizado. La China de Mao ha experimentado la conversión al capitalismo.

Sabine Kleist, 7 años (Sabine Kleist, 7 Jahre), de Helmut Dziuba
RDA, 1982. 72’. v.o.s.e
Único pase
Ciclo: Los tesoros de la DEFA (III)
En colaboración con el Goethe Institut-Madrid

Sabine se escapa del orfanato el mismo día en que su educadora Edith toma una licencia por maternidad. Durante varios días y noches se pasea por Berlín Este hasta que la encuentra la policía y la lleva de vuelta al orfanato. Entre la fuga y el regreso, la niña tiene varios encuentros y aventuras. El hecho de que en gran medida la policía no tenga éxito durante toda la película habla por sí mismo. La niña le toma el pelo a los guardias del orden varias veces y cuando al final se entrega voluntariamente, éstos no la toman en serio. Si bien fue concebida y evaluada como una película infantil, hoy como ayer es una película para adultos. Sus temas: pérdida, soledad y muerte son en el contexto de la DEFA marcadamente atípicos y osados.

“Una película sorprendente en todo sentido y digna de ser redescubierta” (Claus Löser).

Sabine Kleist

Tiempos modernos (Modern Times), de Charles Chaplin
USA, 1936. 89’ v.o.s.e.
Único pase
Ciclo: El 7º Juego (X)

Tiempos modernos (1935) es una película genial, por una simple razón: consigue traspasar las fronteras del tiempo. Ningún avance en el lenguaje cinematográfico logra hacer sombra a las virtudes de este filme.

Habían pasado diez años desde que el sonido se había implantado en el cine, pero Chaplin sólo empleó música y algunos efectos sonoros para esta cinta. Seguía fiel a su idea del cine, a las posibilidades de la imagen. Si con anterioridad ya mostró su postura frente al mundo, en «Tiempos modernos» su crítica contra la tecnologización de la sociedad, contra la maquinaria que debía sustituir al ser humano, quedaba patente.

«Tiempos modernos» retrata las duras condiciones de trabajo que padecía la clase obrera, fruto, entre otras cosas, del trabajo en cadena durante la Gran Depresión. En el filme Chaplin narra los avatares de un obrero al que el estrés acaba trastornando. Jamás olvidaré el momento en que vi por primera vez a Charlot ser deglutido por la máquina. La secuencia, sumamente trascendente, es la conjunción perfecta entre una cuidada puesta en escena de una idea profunda (el hombre devorado por la máquina) y el saber hacer cómico que perseguía Chaplin. «Todos mis filmes descansan en la idea de ocasionarme apuros, para aparecer terriblemente serio, en mi tentativa de comportarme como un caballero muy normal», decía. Por eso el personaje en torno al cual construyó gran parte de su carrera cinematográfica fue el de vagabundo The Tramp (Charlot), un hombre de maneras refinadas y dignidad de caballero, vestido con una estrecha chaqueta, pantalones y zapatos más grandes de su talla, un sombrero bombín, un bastón y un característico bigote. Su inconfundible caminar oscilante, su sentimentalismo y un desencanto melancólico frente a las injusticias de la sociedad moderna definían al personaje. Chaplin basó su sentido crítico del humor en la ternura, la reflexión y en el cuidadoso estudio de la realidad que le rodeaba. «El hecho en el que me apoyo más que sobre cualquier otro es el de poner al público frente a alguien que se encuentra en una situación ridícula o difícil». El obrero de «Tiempos modernos» vive una situación difícil, pero aun así nos hace reír, no sin cierta amargura. Chaplin dirigió, guionizó y compuso la banda sonora de la cinta además de montar la película y protagonizarla.

Fue la última vez Charlot que apareció en la pantalla.

Tiempos Modernos-Wikipedia Tiempos Modernos-Guía didáctica Tiempos Modernos-Miradas de Cine

Trans Europ-Express, de Alain Robbe-Grillet
Francia-Bélgica, 1966. 105’. v.o.s.e.
Único pase
Ciclo: Los placeres de Robbe Grillet (yV)

En colaboración con los Servicios Culturales de la Embajada de Francia en España y la Alianza Francesa

Un director de escena (el mismo Alain Robbe-Grillet), un productor y la secretaria de ambos, cogen en la estación del Norte el Trans-Europ-Express en dirección a Anvers. El ambiente del tren, el encanto de la conversación, el encuentro fortuito con Jean-Louis Trintignan (un viajero como ellos) les inspira un guión policiaco. Paro la imaginación inconsciente des los autores, ya no domina a su héroe. Este persigue, paralelamente a su misión policíaca, un delirio sexual obseso.

Robbe-Grillet se vale de una anécdota de corte policial -Jean- Louis Trintignant contrabandea cocaína entre Amberes y París- para experimentar con el lenguaje cinematográfico, pero sin desdeñar el humor y el erotismo, con sutiles referencias al sadomasoquismo.

“Creo que se ha insistido demasiado sobre las relaciones entre cine y literatura. En realidad, yo me siento muy diferente cuando escribo una novela que cuando hago una película. Es que las palabras y las imágenes no tienen nada en común” (Alain Robbe-Grillet).

Trans Europa Express

Siete Pecas (Sieben Sommersprossen), de Hermann Zschoche
RDA 1978. 79’. v.o.s.e.
Único pase
Ciclo: Tesoros de la DEFA
En colaboración con el Goethe Institut- Madrid

Al ser expulsado del país el cantautor Wolf Biermann en otoño de 1976, comenzó en la RDA un proceso de decepción persistente respecto a la capacidad de reforma del sistema. Cientos de escritores, cineastas y otros intelectuales dejaron el país y emigraron a la República Federal Alemana. Los que permanecieron se hundieron en la resignación y la inercia artística. Considerando este contexto, la película Siete pecas, realizada sólo dos años después de la escandalosa salida del país de Biermann, representa un caso interesante. Por un lado, puede ser evaluada como un intento de recuperar la atención de los jóvenes ofreciéndoles temas hasta ahora reprimidos para volver a integrarlos en la cadena de explotación cultural dirigida por el Estado y mediante ese rodeo volver a entusiasmarlos por el socialismo y su política juvenil. Interpretada de esta manera, Siete pecas es una empresa realizada para garantizar la subsistencia del Estado. Por el otro lado, la película habla de problemas y anhelos reales de los adolescentes y así fue percibida: como una pausa reconfortante de la politización cotidiana y como respuesta a las verdaderas necesidades de los más jóvenes.

Sieben Sommersprossen DEFA

Nota informativa Ciclo DEFA

Por no disponer de copia de la película prevista dentro del ciclo DEFA para el viernes 26 de febrero, 20 h: La mujer y el forastero (Die Frau und der Fremde), de Rainer Simon será sustituida por Siete Pecas (Sieben Sommersprossen), de Hermann Zschoche. RDA 1978.

La sesión prevista para el lunes 1 de marzo, 20 h, se adelanta al Domingo 28 de febrero, 20 h

Programación 25, 26, 27 y 28 de febrero de 2010




Jueves 25 de febrero, 20,30 h
Il Sospetto, de Francesco Maselli
Italia, 1975. 105’. v.o. (italiano)
Ciclo: Un paese, una storia

En 1934 un obrero miembro del Partido Comunista francés es enviado a Italia con una misión. En realidad, está siendo utilizado como cebo para encontrar a un espía fascista infiltrado en el partido



Viernes 26 de febrero, 20,00 h
Siete Pecas (Sieben Sommersprossen), de Hermann Zschoche.
RDA 1978. 79’. v.o.s.e.
Ciclo: Tesoros de la DEFA

En un campamento de verano, dos adolescentes – Robby y Karoline – enamoran. Pero la estricta y disciplinada organización de la directora les deja muy poca libertad de acción. El único espacio lo encuentran los ensayos teatrales para “Romeo y Julieta”. La obra se convierte en reflejo de su propia relación, que se vuelve conflictiva debido a sus diferentes procedencias sociales.


Sábado 27 de febrero, 20,00 h
Trans Europa Express, de Alain Robbe-Grillet
Francia-Bélgica, 1966. 105’. v.o.s.e.
Ciclo: Los placeres de Robbe Grillet

Un guionista (el propio Robbe-Grillet), un productor y su secretaria toman el Tran-Europ-Express en la Gare du Nord de París. El ambiente agradable del tren y de la conversación y su encuentro con Jean-Louis Trintignant les inspira para crear un guión policíaco, que pronto se les irá de las manos.

Domingo 28 de febrero, 18,00 h
Tiempos modernos (Modern Times), de Charles Chaplin
USA, 1936. 89’ v.o.s.e.
Ciclo: El 7º Juego

Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje de su trabajo. Después de pasar un tiempo en el hospital recuperándose, al salir es encarcelado por participar en una manifestación, en la que se encontraba por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín por lo que gana su libertad. Una vez fuera de la cárcel reemprende la lucha por la supervivencia, lucha que compartirá con una joven huérfana que conoce en la calle. Lo peor es que el destino que le aguarda es la horca.


Domingo 28 de febrero, 20 h
Sabine Kleist, 7 años (Sabine Kleist, 7 Jahre), de Helmut Dziuba
RDA, 1982. 72’. v.o.s.e.
Ciclo: Los tesoros de la DEFA

Tras perder a sus padres, Sabine ingresa en un orfanato, donde va a establecer un vínculo cada vez más intenso con su educadora. Tras descubrir que esta está embarazada, la muchacha resuelve fugarse del orfanato y descubrir el mundo valiéndose por sí misma. En su aventurado viaje topará con personas poco comunes, viéndose envuelta en situaciones casi surrealistas.

Il Sospetto, de Francesco Maselli
Italia, 1975. 105’. v.o. (italiano)
Único pase
Ciclo: Un paese, una storia

Con la colaboración del Centro Cultural italiano y el Área de Filología Italiana de la Universidad Pablo Olavide

En 1934 un obrero italiano comunista, que vive en Francia, es enviado por el Partido a la Italia fascista con la misión de contactar con otros compañeros, pero en realidad, es usado como cebo para desenmascarar a un infiltrado… Probablemente la mejor película realizada por Maselli (“Los indiferentes”, “Los delfines”). Refinada reconstrucción de época, inteligente tensión narrativa, personajes creíbles.

Francesco Maselli

Continúa el recorrido por las entrañas del país vecino (Italia) a través de sus películas. Nueva entrega del ciclo Un paese una storia, organizado por la Cinemateca UGT con la colaboración del Centro Cultural Italiano y el Área de Filología Italiana de la Universidad Pablo Olavide. Il Sospetto, de Francecso Maselli (1975). Este se halla inscrito en la época dorada de un cine «político» tendente a consolidarse como un género más, estatuido y con sus reglas propias, el período de las obras de Costa Gavras, Yves Boisset, Elio Petri . En 1934 un obrero miembro del Partido Comunista francés es enviado a Italia con una misión. En realidad, está siendo utilizado como cebo para encontrar a un espía fascista infiltrado en el partido. Film tremendamente rico y complejo, repleto de sutilezas y que gracias a su ejemplar estructura narrativa, con continuos «flash back», permite mantener una plena tensión y facilita la atención del espectador. Protagonizado por Gian Maria Volonté que interpreta con extraordinaria bravura el papel del protagonista, Emilio, un militante comunista emigrado a Francia que ha de realizar una misión en la Italia fascista. Y Annie Girardot y Renato Salvatori y dirigido por Francesco Maselli. Para realizar "El sospechoso", definida "una de las mejores películas políticas de todos los tiempos", Maselli recurre a un lenguaje más tendido y a una estructura más compacta; la película, ambientada en 1934, ofrece una reflexión, en forma de thriller, sobre uno de los momentos cruciales de la vida del partido comunista italiano.

Jueves 25 de febrero, 20,30 h
Il Sospetto, de Francesco Maselli
Italia, 1975. 105’. v.o. (italiano) Ciclo: Un paese, una storia

La Cinemateca de UGT proyecta mañana, a las 20:00, el corto 'Mudanza', de Pere Portabella.

A Pere Portabella no lo veremos nunca en una gala de los Goya. Es posible incluso que muchos académicos, el propio Álex de la Iglesia incluido, no sepan ni siquiera quién es o no hayan visto nunca alguna sus películas (de Nocturno 29 a El silencio antes de Bach). Sin embargo, es gracias a cineastas extraterritoriales y libres como él por lo que aún apreciamos el cine español, aunque a Portabella lo de cineasta español no le acabe de encajar demasiado. Mañana, a las 20:00, como prólogo a la no menos maravillosa

Manuel J. Lombardo / Diario de Sevilla. Artículo completo

Mudanza, de Pere Portabella
España, 2008. 20’

Singularidades de una chica rubia (Singularidades de uma rapariga loura), de Manoel De Oliveira.
Francia, Portugal, España, 2009. 68'. v.o.s.e.
Último pase
Ciclo La Cinemateca estrena

- ¿Cuál es la génesis de Mudanza?.
A la invitación de Hans Ulrich Obrist para intervenir en la exposición internacional Everstill, le respondí con mi propuesta: vaciar la casa de muebles y objetos. El espacio de la vivienda vacío y en silencio.Hans y la fundación acogieron con entusiasmo la idea. Dándome todas las facilidades para la realización de la película.

- ¿Cuáles fueron las distintas fases de su trabajo (guión técnico)?

A partir de la idea estructuré el relato:Mostrar la vivienda tal y como la encontré amueblado y con objetos, e intervenciones de otros artistas invitados

• Dos planos exteriores
a) El interior: largas panorámicas para enseñar la casa en la línea en la que las constructoras venden sus apartamentos o casas por Internet: Aquí el jardín, aquí el hall, luego el salón…
b) Para la operación del desalojo y vaciado de las casa, pedí una empresa de mudanzas competente desde el punto de vista profesional en el manejo y embalaje de los muebles. Ensayé con ellos plano a plano. A la voz de motor se movían según estaba previsto, en el ritmo y orden acordado.

Siempre a partir de toda la secuencia previamente “imaginada”. Cada plano debe resolverse en función del conjunto. La sala de montaje solo me sirve para elegir una toma por otra del mismo plano. Nunca ruedo planos para cubrirme o que ofrezcan otra alternativa. (P.P y contraplano). En el rodaje solo ruedo exactamente los planos que están pensados y “vistos”. Ruedo montando y, fundamental, imprimiendo el ritmo definitivo de toda la película en cada plano.

- ¿Existen escenas que no ha querido mostrar/guardar? ¿ Por qué ?

Así que con ello contesto la tercera pregunta. No tengo la posibilidad de mostrar otras escenas alternativas porque no existen.

- ¿Cómo escogió Usted los planos/las imágenes?

Para mostrar la secuencia del jardín y el apartamento tal y como es utilice el trípode.Para la secuencia de la mudanza, steadycam, porque? Es la más cercana a la mirada humana. Un punto de inestabilidad en los planos fijos y movimientos estables, que de una manera casi imperceptible inciden en la mirada del espectador mucho más flexible a diferencia de los demás rodajes en otros soportes (travelling, trípode, grúa, etc…). Nunca utilizo steadycam sólo para perseguir a los actores o subir escaleras, por ejemplo.

Para la secuencia del apartamento vacio era imprescindible el travelling. Cambio de ritmo y mirada. Lo que se “mueve” es el lugar. Es un desplazamiento o recorrido al que se ve forzado el espectador, ante la anulación fetichista del decorado. El espacio pasa a ser el lugar que se propone transitar desde la experiencia y las exigencias del espectador.

- ¿Tenía Usted libertad absoluta para la mudanza?

Siempre he asumido en mi trabajo una absoluta libertad y toda la responsabilidad.

- ¿Cómo surgió la idea de este cortometraje?

Lo he explicado ya en la primera pregunta. Respondí a la invitación con una propuesta, “Mudanza”. Así de sencillo.

- ¿De qué presupuesto disponía?

El presupuesto de la película fue de 60000 euros.

- Después de su proyección en varios festivales, ¿qué difusión dará Ud a esta película? ¿Va a quedarse el corto en Huerta de San Vicente?

Mudanza se proyectó en el jardín de la Huerta de San Vicente durante dos meses. Se construyó una sala de cine de madera para unas 50 personas. Los visitantes eran invitados a ver la película, para luego entrar en la casa totalmente vacía. Se ha presentado también en el Museo Reina Sofía de Madrid y en el Festival de Cine de Venecia de este año (2009). Ha formado parte del 3rd AiM International Biennale’s Festival en Marrakech. Ahora, en Navidad, se estrenará junto con la ultima película de Manoel da Oliveira – Las extravagancias de una chica rubia (60’) + Mudanza (20’). Tiene muchas peticiones y está constantemente circulando.

- El cortometraje trata del tema de la memoria de García Lorca y, a través de su memoria de su muerte/su desaparición, cuyos responsables eran los partidarios de Franco - Aparte de su carrera artística, tiene usted una carrera política. ¿ Influyó/ha influido su interés político en este corto, en particular en la manera con la que ha tratado el argumento? ¿ Desempeña un papel la desaparición de Lorca en el tratamiento del argumento?

Federico Garcia Lorca es un doble referente: Como poeta surrealista y victima de las dictadura militar en 1936. Fue fusilado al comienzo de la Guerra Civil Española. Desde luego no dudé en participar teniendo en cuenta al poeta y al ciudadano. En mi imaginario político y cultural, ocupa un lugar como tantos otros. Son referentes que te ayudan a avanzar y aprender a desbrozar el camino hacia los cambios y las exigencias históricas que a cada uno nos toca afrontar. En el cine, las ausencias significativas adquieren siempre una fuerte presencia desde el fuera de campo. En el vacío de la casa, el poeta ocupa el espacio sin interferencia, fetichismo ni excesicas explicaciones simplistas.

- ¿ Nos podría aclarar el vínculo que existe en la historia de España y Federico García Lorca para los espectadores?

Creo que ya queda contestado en el párrafo anterior. Una guerra civil que duró tres años y una posguerra de casi cuarenta años caracterizada por la crueldad de una dictadura militar y la complicidad de los sectores adictos a la dictadura, siguen siendo un obstáculo para que afrontemos desde todas las posiciones, nuestra memoria colectiva con normalidad y sin exabruptos.

- Una revista alemana, Art, escribió que los artistas de esta exposición creaban sus obras interrogándose sobre lo que era el recordar/rememorarse un espíritu pasado. ¿Cómo ha influido este diálogo en su trabajo?

He intentado acercarme al poeta Federico García Lorca con un ejercicio de proximidad desde hoy y con una mirada puesta en el futuro. Nunca nostálgica.

Questions: Alina Schnitzlein (traduction Sonia Kerfa)

Por tanto, no hace falta convencer a nadie al afirmar que "Singularidades de una chica rubia" es la obra de un maestro del Séptimo Arte. Ésta, su última película (que llega tan sólo dos años después de su anterior propuesta, "Cristóbal Colon, el enigma"), se trata una vez más de una historia sencilla que Oliveira rueda de la forma en que habitualmente ha realizado sus películas: diálogos e historias sencillas, personajes conectados por sentimientos muy puros, cuentos a menudo morales, cámaras fijas de encuadrades muy bien planificados, cuidada fotografía. El cine de Oliveira siempre ha sido, de hecho, humilde y no demasiado ruidoso, pero su acentuada personalidad ha desmarcado a su creador como un cineasta que siempre ha tenido cosas nuevas que contar y, sobre todo, un sorprendente soltura en encontrar formas distintas de hacerlo.

La casa de los horrores. Crítica

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